【剧场】的解释、拼音

解释如下：↓

• 戏剧等表演艺术的演出场所。也称为「剧院」。表演艺术的单位或团体。如实验剧场。

来源：辞典修订版

解释如下：↓

• 戏剧等表演艺术的演出场所。
    【造句】这个剧团成立近二十年，足迹遍布全国各地剧场。
• 表演艺术的单位或团体。
    【造句】剧场成员在导演引导下，全心投入演出。

来源：辞典简编版

解释如下：↓

• 剧场的字源来自于希腊字「theatron」，意思是「一个看的地方」。它的基本结构分为两部份：一是观众席，就是观看的地方；一是舞台，是进行演出的地方。随着戏剧的沿革，人们对剧场的建筑日益重视。以西方剧场而言，人们将自然的力量视为神只，除了运用各种方式膜拜之外，也研究开发控制这些自然的力量的方法，因此发展出一套「仪式」行为，在祈祷过程中所使用的祭文、音乐、舞蹈、化妆、面具等要素，成为孕育戏剧发展的基础。仪典的进行通常是祭师在众人围绕下选择一个适当的位置进行，因此就形成了「观众席」与「行动区」。这种空间关系的具体呈现，始于公元六世纪前的古希腊剧场，多山的希腊利用天然的地形建造剧场，观众席建在缓降的山坡上，山脚下的平地就是演员呈现的舞台，他们将之称为舞蹈场（orchestra）。在山坡上的观众或站或坐，没有设置规划所谓的「观众席」，舞台上只是一座祭坛，景屋、出入口或观众座席，直到公元前第五到第四世纪间，才渐渐受到重视。典型的罗马时代剧场是古希腊剧场与罗马式剧场的综合体，它被称为「希腊罗马式剧场」，两者之间的差别是：标准的罗马剧场建在平地上，不像希腊剧场设在山坡；罗马的剧场舞台高度与观众席相同，一体相连，希腊剧场则是观众席面对着表演区；乐队之乐池成半圆形，乐池的位置较低。原来罗马人并没有建筑任何剧场，有的只是因为宗教节庆与各种比赛建筑的临时场地，直到公元前七十五年，他们才在庞贝城建筑第一座永久性剧场。建筑师为了配合各种不同形式的活动及美观起见，设计的舞台是紧接舞蹈场的一块狭长平面，高出舞蹈场五尺左右，它的后墙上至少有三道门，长形的舞台两端各有一道门，舞台背景有两至三层楼高，上面装饰着雕像、凹龛、廊柱及门廊，甚至有些华丽的舞台还刷上金漆及其他色调的颜料。设计师为免观众遭日晒雨淋之苦，还研究增建屋顶，慢慢地发展出各种不同的表演空间及建筑，例如：圆形剧场、马戏团表演场及竞技场等。原来罗马的表演只限于原始的舞蹈、及一些缺乏故事性的滑稽人物与动作，由于演出机会频繁，逐渐产生劣质化的现象，并引起教会的排斥。在文化的发展史上，中世纪被称为人文、科学、艺术的黑暗时期；戏剧方面也同样没有重要的活动与表现。笃信基督教的君士坦丁大帝（Constantine I, 280?-337）即位后，即开始严禁戏剧演出。到公元十世纪左右，戏剧演变为宣传教义的工具，在教堂演出各种圣经故事。此时期出现大型舞台布景，呈现代表天堂与地狱的景片。叙述圣经故事时，为了表验神迹显灵，还使用特殊效果，例如：喷水的井、突然崩裂的石头、房屋突然倒塌等，这些都是利用机械传动技术的基础原理。到了十二世纪时，表演区便扩大到整个教堂内部，除了祭坛外，还使用教堂中厅、侧厅、布道台等作为各种出口及更换服装的场所，并且巧妙的使用拱顶作为特殊的上层舞台，整个表演区遍布在观众的四周〔见cloister〕。十三世纪时戏剧才由教堂移至户外，搭设临时舞台，演员与观众变成面对面的关系；同时也使用活动马车（pageant wagon）来演出连环剧，依剧情装载该场戏所需的布景、道具等。十五世纪的文艺复兴时期企图弥补黑暗时期的破坏，1453年君士坦丁堡被土耳其人攻占，许多学者携带珍贵的资料到西方世界，其中也包括希腊剧本等文献；1465年印刷术传入意大利，爰重新印刷大批古典剧本传世，其中最有名的剧场建筑理论是维苏维斯（Viturius）的《建筑学》（De Architectura），内容是研究希腊罗马时代的剧院建筑方式；此时，透视法也被整理出来而流行，后世继之而起的是塞里欧（Bevastiano Serlio, 1475-1554）他所着作的《建筑学》（Architettura, 1537-51）是当时最具影响力的着作。他主张结合维苏维斯所描述的罗马剧场和透视法的原理，并将表演场地置于室内。因此，戏剧演出从此进入室内经营与发展。十六世纪欧洲各国娱乐发展蓬勃，戏剧活动也就跟着活跃起来，舞台技术随着需要更加讲究。而文艺复兴时期最具代表性的是意大利法纳斯剧院（Farnese Theater），建于1618年，它有一个开口12.5米的镜框（Proscenium），是世界最普遍剧场式样的鼻祖。镜框舞台是舞台被一个拱门框出一个实体的框，形状像个镜框或画框，将表演区与观众区隔开，因此依剧情需要而设计场景的观念渐渐形成。另一项创举就是它的观众席呈马蹄型，不但可以增加观众容量，也可将表演区延伸至观众席前。当剧场由室外移入室内，照明自然就成为一种重要的技术，在煤气灯尚未使用前，舞台照明全依赖蜡烛与油灯，挂在镜框后、布景后、或排列在舞台前缘；并使用一种似帽盖的器具来调节光度。同时期，也发展出换景用的升降平台及卷轴式的布景；后来，改进成为悬吊设备，即高加表演区上方的屋顶，将景片升高收藏。意大利的文艺复兴时期的戏剧表演都相当豪华，以巧妙的人工与机械的设备呈现精美的演出。萨巴提尼（Nicola Sabbattini, 1574-1654）所着作的《舞台布景与机械结构手册》（Pratica di Fabricar Scene e Machine ne′ Teatri, 1638）是当时重要的舞台技术典籍。十六世纪期间，英国剧场在伊莉莎白女王（ElizabethI, 1533-1603）的支持下，整合源自于希腊、罗马、中世纪剧场的个别优点，大量的重建与改造剧场规模，所以出现许多多功能及不同形状的剧场。他们将中央无顶的空间称为「场」，观众区位于围绕四周、有顶的三层回廊上，表演区是高约四至六英尺的平台，向场中央延伸。回廊上的观众可从三面看到舞台上的演出；舞台设有机械装置，可以提供特殊效果及演员出入的设备。十七世纪中期，镜框式剧场发展已臻成熟，所使用的两侧翼幕、大幕、透视法布景、制造特效的机关及换景的机械设备都还沿用至今。十九世纪末期，当时的思潮受到自然主意与写实主义的影响，要求舞台上所呈现的景观应符合写实场景，应时而生的「第四面墙」理论强调：将舞台前沿当成是一面墙，对观众而言是透明的，对演员而言则不是透明的，衍生出盒型封闭式的布景设计。为了因应布景及机械设备的需求，舞台空间设计变得更深、更宽，挑高更高，两侧舞台空间也加宽，使得布景道具的变换更加方便。因此，镜框式的舞台也制造出更好的剧场幻觉效果。二十世纪由于科技进步，使得剧场的硬体设备与软体资讯都更丰富。当时知名的剧场工作者如：瑞士的亚道夫阿匹亚（Adolphe Appia, 1826-1928）、英国的哥登克雷（E. H. Gordon Craig, 1872- 1966）、德国的莱因哈特（Max Reinhardt, 1873-1943）及俄国的梅耶荷特（VsevolodE. Meyerhold, 1874-1940）等人的剧场理论，促使舞台技术的提昇，因此许多剧场陆续改建或改善舞台设施，如：分区升降平台、幕后投影、多媒体等。二次大战后，许多艺术工作者也企图打破镜框舞台的束缚，于是尝试开放式舞台或中心式的舞台来实验创作，使得表演区与观众席位置可依需求调整，并藉以改善两者之间的关系。德国的葛罗培氏（Walter Gropius, 1833-1969）在1927年提出「整体剧场」（Total Theatre）的设计概念，强调整合剧场技术、科学与机械的观念，建造一个更灵活多用途的剧场。其他使用率较高的非镜框式舞台大致可分为：中心式舞台（Center Stage, Arena Stage）、伸展式舞台（Thrust Stage）、末端式舞台（End Stage）及调整式舞台（Adaptable Theatre）等四种。
• W. G. Raffe《Dictionary of the Dance》1964、Ed. By Martin Banham《The Cambridge Guide to World Theatre》1988.

--作者:谢庭菊

来源：辞书

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